humorgrafe

1 – The contest is open to all (over 18 years) amateur or professional cartoonist or any one who could submit a cartoon regardless individual's race, gender, religion, national origin, disability, sexual orientation, age, or other protected characteristic.

2 – THEMES: 

A) Olive

Olive, Olive and Time, Olive and History, Olive and Mythology, Olive and Technology, Olive and Cyprus, Olive and Life, Olive and Peace, Olive and Conflict, Olive and War, Olive and Health, Olive and Women, Olive and Men, Olive and Children, Olive Oil, Olive Branch, Olive Tree, Benefits of Olive, Olive and Olive Mill/Press, Banning of Uprooting, Burning and Cutting Down Olive Trees and so forth. 

B) Free Subject

Any topic can be drawn.

3 – All Submissions must be in the form of cartoon. Any painting or illustrations will not be accepted and will be disqualified. Cartoons must be without words. 

4 – All submissions must be originals. Submission dimensions: A4 or A3 in any color or black and white. Each entrant must provide name and surname, address, phone number including country code, and email address on the back of the submission; each entrant should also provide short background and a photo (optional) on a separate A4.

5 – Submission of materials, which has previously been submitted and or presented and or published elsewhere, is welcomed providing copyright is not infringed, however previously any award wining material cannot be submitted.

6 – All work submitted for evaluation by the International Selection Committee and work of finalist will be published at official web page of the contest.

In addition submissions will be reviewed and evaluated for plagiarism by international associations.

If Plagiarism detected and or any previously award wining material submitted, submissions will be canceled and the next eligible entry will be considered for the prize.

7 – It is possible to participate in the contest with two works in both sections.

(2 + 2 = 4) However, one participant receives only one prize per episode. If any cartoonist has won the Grand Prize, he cannot receive another prize in that department. 

8 – All submission must be received by JUNE 30, 2021 at the address provided below. 

9 – All submission, awarded or not, will be kept and archived by Cypriot – Turkish Cartoonist Association at the newly established “International Cyprus Cartoon Museum.” 

10 – All prize winner submissions and selected works by the Steering Committee will be published in a album. In addition, the 20th Olive Festival will be exhibited in 2021. 

11 – The results of the contest will be published thru media and prizing winning entrants will be informed by contact information provided. 

12 – The transportation and accommodation expenses of the winners of the Grand Prize and First Prize will be covered by Kyrenia Municipality. The prize – winning cartoonist must respond to the prize ceremony invitation within 10 days. The responses outside of 10 days are not considered. 

13 – The Kyrenia Municipality and Cypriot – Turkish Cartoonist Association will have the publishing rights to exhibition, publish or print, in any media or format, any or all submissions.

14 – All persons entering the contest agree that the rules of the contest as set out in these terms and conditions are binding on them. And all submissions could be published and printed by the Kyrenia Municipality and Cypriot – Turkish Cartoonist Association as set out in these terms and conditions without any future compensation. 

PRIZES: 

Grand Prize: 1.500 Euro + Golden Olive Statue + Diploma. 

OLIVE THEME

First Prize: 750 Euro + Golden Olive Statue + Kyrenia Municipality Prize (Diploma)

Second Prize: Silver Olive Statue + Cyprus Turkish Cartoonists Association Prize (Diploma)

Third Prize: Bronze Olive Statue + Olive Festival Prize (Diploma).

50 Finalist Prize.

FREE THEME 

First Prize: 750 Euro + Golden Olive Statue + Kyrenia Mayor Special Prize (Diploma).

Second Prize: Silver Olive Statue + Olive Humor Festival Prize (Diploma).

Third Prize: Bronze Olive Statue + Ramiz Gokce Special Prize (Diploma).

50 Finalist Prize.

DEADLINE: June 30, 2021

SUBMISSION ADDRESS:

Kıbrıs Türk Karikatürcüler Derneği

10. Uluslararası Karikatür Yarışması

Posta Kutusu: 87 (Post Code: 99000)

Lefkoşa – Kuzey Kıbrıs (Via Turkey)

WEB PAGE:

http://www.zeytinkarikaturleri.com

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 Houve tempos que Lisboa, como aldeia-mor de um país-província se podia gabar de ser tema predilecto para canções, pintores, humoristas. É certo que de tempos a tempos ainda se cantava o nome de Lisboa, e os pintores para poderem vender, retratavam os recantos ou as formas mais pitorescas. De qualquer modo perdeu-se aquele misticismo da cidade, tal como Stuart Carvalhais ou Carlos Botelho a viveram.

Ao Botelho referem-se sempre como o «pintor de Lisboa», não só pela temática preponderante na sua obra, mas também porque ele se apresentava como pintor – o retratista de Lisboa («sou um pintor de cidades, e retrato-as como retrataria pessoas»), apesar dos seus quadros alfacinhas estarem despovoados dessa fauna poluidora, dos construtores de cimento e detritos…

Só que, nem só de paredes, geometrismos urbanísticos vive o pintor e ele soube também ser retratista da sociedade, através do humor.

O «caricaturista» de Lisboa é também ele, e não é ele. Já o Nogueira da Silva, na década de cinquenta de oitocentos fez excelentes retratos sociais, a par do Manuel de Macedo; Bordalo Pinheiro não deixaria de apresentar a vida de Lisboa, através do cartoons políticos. Lisboa, no século XX teve já um Jorge Barradas e um Bernardo Marques a humorizar a sociedade cosmopolita, assim como um Stuart Carvalhais. Este, será talvez o titular mais certo para o epiteto de «Caricaturista de Lisboa», ao imortalizar as pernas das varinas, os garotos, os gatos, as escadinhas e vielas da cidade velha, os ardinas, os Zés alfacinhas… Assim, Carlos Botelho foi também um caricaturista de Lisboa, não como o traço lírico Stuartiano do povo, nem um arabesco modernista de uma sociedade pseudo-modernista de um Barradas ou Marques, mas como o cronista, um eco do quotidiano feito grafismo, num discurso possível na «não história oficial».

Creio que não é necessário apresentar o pintor/humorista Carlos Botelho, nascido em 1899 em Lisboa e falecido na mesma localidade em 1982. Se a pintura foi o género que melhor o projectou no panteão nacional das artes, não menor importância teve o seu lado humorístico, como fonte enriquecedora da visão gráfica e estética da cidade, do estilo modernista. No âmbito pessoal e criativo, também seria importante a sua faceta musical. Violinista amador, conquistava a harmonia e melodia interior, nos serões do seu quarteto de cordas semanais. São todas estas vertentes que enriquecem o homem-artista, o homem que sobrevive sempre sob o peso das tintas e das telas.

Como já referi, o lado humorístico foi importante para o homem-artista, foi importante para as artes nacionais. Como começou esta aventura? «Quem me recebeu foi o Pedro Bordalo, administrador, que era um homem muito atencioso. Eu levava uma folha com desenhos de crítica à vida de Lisboa. Ele viu, viu com atenção e só me perguntou assim: você é capaz de fazer esta coisa todas as semanas? – Respondo que sim. Fiquei vinte e dois anos no Fixe» (de Maio de 1928 até Dezembro de 1950, ou seja cerca de 8.000 pranchas de desenhos).

Assim nasceu um humorista, em 1928, num jornal que marcaria uma época com uma geração nova de humoristas, a geração do «Sempre Fixe» (a par com a velha geração), na qual o Carlos Botelho é um dos mais destacados representantes. A sua arte de humor era um pouco diferente da dos seus companheiros, já que estes a procuravam fundamentalmente pelo traço caricatural, ou pelo lado da crítica política, enquanto ele traduzia em grafismo linear as atmosferas, a vivência.

«A pessoa interessa-me no humorismo, no portrait-síntese porque aí sou livre. Pela caricatura nunca tive grande interesse. A caricatura é a anedota e não podemos passar o dia a contar anedotas. Com o humorista é diferente: é a crítica a factos, a situações /…/. De resto, está perfeitamente integrado na minha maneira de ser, porque me interesso sobretudo pelos ambientes: na pintura procuro traduzir os ambientes das grandes cidades ou de populações; no humorismo é ainda o ambiente que me interessa – a crítica à sociedade».

A sociedade era o tema da sua página de «Ecos da Semana» no «Sempre Fixe», onde «fazia um apanhado do que se passava no país, com especial interesse por Lisboa». Uma página onde o desenho não aparecia como interesse informal (apesar deste existir como criação gráfica), mas suporte, como «armação linear». A ironia reinava em crítica a uma sociedade que desejava ser mundana, quando era provinciana, que desejava ser política, quando tinha que ser apolítica, que desejava ser aberta, quando a censura reprimia.

Nos «Ecos» ficaram registadas as presenças de músicos famosos, políticos, desportistas, gente anonima… assim como ficções simbólicas dessa mesma sociedade rica em tipicismos castiços, provincianismos e más educações. Esses personagens da «Comédia dell’arte» alfacinha foram:

- «Piu» (que deveria ser, nem pio! Ou silêncio!) - «o mocho que ocupava por vezes o espaço dos desenhos censurados», ou aquilo que o artista gostaria de dizer e só mencionava entre linhas. Dessa forma, Botelho criava uma simbologia crítica à falta de liberdade de imprensa, um símbolo da inteligência que se opunha ao obscurantismo, que significava a castração das ideias. Foi criado a 2 de Julho de 1930;

- «Sr. Parecemal» - a crítica ao falso moralismo, tipificado no individuo de botas de elástico (tal como os Dantas – Salazar), sobrecasaca e gravata, como fachada civilizadora, que caracteriza os subservientes do Estado Novo. Foi criado em 16 de Julho de 1931;

- «Escarra & Cospe» - a Lisboa porca, onde a salubridade é posta em causa numa sociedade dita civilizada. Quem o personifica é o marialva, o fadista que não dispensa as tradições de má educação. Foi criado a 1 de Novembro de 1934;

- «D. Encrenca» - a senhora bojuda, que só complica a vida, representando o espírito intriguista do nosso povo, em especial da mulher pequena burguesa citadina. Foi criada a 6 de Junho de 1935;

- «Arrepiadas» - «inspirada nos penteados das senhoras refugiadas, que não tinham dinheiro para ir ao cabeleireiro e criaram uma moda de penteado: arrepiado». É a critica às novas modas, de uma sociedade sem capacidade económica de acompanhar os modernismos. Essa personagem passaria depois a chamar-se «D. Pôpada», pelo seu penteado com popa, o que também quer dizer entre linhas poupada. Foi criada a 19 de Setembro de 1940.

Estes anti-herois anónimos, mas universalizantes cohabitam com os possíveis intervenientes deste registo para-histórico. Era difícil fazer comentários à política nacional, principalmente com o correr dos anos e endurecimento da ditadura. O mesmo aconteceu com a política internacional, onde ainda se deslumbra umas críticas a Mussolini ou ao Hitler, mas onde não se vê  o registo da Guerra Civil de Espanha ou do fim da II Grande Guerra.

Sofreu muitas vezes com a censura, que retalhava uma prancha, que proibia a página inteira, obrigando-o a remendos de última hora e a uma constante auto-censura inicial, para não ter problemas posteriores. Ou seja, uma vida normal do jornalista de então.

Carlos Botelho, um «eco» humorístico da sociedade alfacinha e nacional, a não esquecer.

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«Dar o salto» foi a opção de muitos portugueses, para não violarem ideais políticos, sociais ou económicos. Eram indivíduos de diversos estratos sociais e profissionais (inclusive humoristas) que clandestinamente procuravam a sobrevivência física e mental além-fronteiras, durante a ditadura salazarista.

Carlos Ferreira do Amaral, mais conhecido como Brito ou Carlos Brito, quando «deu o salto», em 1963 (por motivos político-militares, ou seja deserção para não ir para a guerra colonial) ainda não pensava dedicar-se ao cartoonismo. Natural de Lisboa (1943), a sua «construção artística começou nas paredes do quintal, passou pelos cadernos da escola e acabou nos jornais que se compram, leem e deitam fora…» Com 14 anos começou a trabalhar num banco, fazendo estudos comerciais de noite. Em França, passou pelas mais diversas profissões, de operário a empregado de escritório, secretário, agente comercial, criativo gráfico, sociólogo (estudou na Sorbonne Literatura e Civilização Francesa e Sociologia).

Sem nunca trabalhar com mestres, foi nos tempos de ócio que o seu lápis se foi preparando para mais uma experiência, a artística: «Lutei sozinho para não copiar os desenhadores que preferia. O que me levou muito tempo até me sentir capaz de enfrentar um Chefe de Redacção. Os primeiros desenhos que publiquei, por volta de 1970, não me foram pagos, para além do prazer de os ver impressos. Saíram em publicações militantes, como «Rouge», «Politique Aujourd’hui», «Politique Hebdo», «Fronteira» (jornal da LUAR em Paris), a «República» (antes de 1974)… Nessa altura assinava Carlos ou Amaral. Também assinei Carlos Brito em 1974/75 quando colaborei na «República», no «Diário de Lisboa», «O Diário», «Pé de Cabra», «Sempre Fixe». Em 1973e de 1976 a 79 colaborei em «La Gueule Ouverte», «Ecologie», «Le Sauvage», «L’Unité», «Temoignage Chrétien», assinando Carlos».

«Em 1976 colaborei em «Perspective» e «Le Jour» em Montreal, onde estive algum tempo aquando de uma longa viagem pelas américas. Mas só comecei a trabalhar exclusivamente como cartoonista em 1980, ano em que obtive a carteira de jornalista. Colaborava então em «La Vie Ouvriére», «Les Nouvelles Littéraires», «Diário de Lisboa» (até ao seu ultimo suspiro), «Politis», «J’Acuse». Actualmente, colaboro em «Le Canard Enchainé», «Le Monde», «Croissance», «Ouvertures», «La Vie Ouvriére» e «Finisterra»».

O Brito actual «nasceu» por volta de 1984, quando começou a colaborar em «Le Monde». «Para mim, o cartoon-humor é o comentário político-cultural do mundo em que vivemos. Pode ser ilustração de um artigo e, nesse caso, procuro ir além do que está escrito, propondo a minha interpretação do acontecimento ou da análise que é feita. E pode ser desenho editorial, isto é, comentário da cactualidade independente dos artigos impressos à volta. Creio que o impacto jornalístico do cartoon é bastante forte, porque o discurso implícito da imagem ataca directamente os sentidos, os sentimentos e a capacidade de pensar de cada um… como um murro no estomago e, simultaneamente, na cabeça. Dando lugar a um esgar que se poderá chamar sorriso».

«Não sei o que se passa em Portugal, mas em França o desenho desempenha um papel cada vez mais importante na vida da imprensa. Todos os jornais e revistas, até regionais, publicam cartoons, começando agora a descobrir a importância desta forma de expressão jornalística. É de dar um lugar de destaque a «Le Canard Enchainé», semanário satírico velho de 75 anos (e onde colaboro há uns três anos), que publica uma média de 30 desenhos por semana».

Brito, Carlos Amaral, é uma presença muito importante no meio humorístico francês que nos orgulha, pela sua ironia e traço caligráfico, como continuador da herança de um Leal da Câmara, em terras francas.

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B. THEME: COMIC STRIP, COMIC BOOK (comic book heroes and their authors in caricature) 

Many cartoonists have tried their hand at comics and vice versa, so we invite you all to express through caricature and humor yet another way of experiencing the ninth art, the famous comic book heroes (Superman, Spiderman, Corto Maltese, Alan Ford, Martin Mystery, Batman, Asterix, Snoopy, Lucky Luke, Zagor, Prince Valiant...) and the painstaking process but also the pleasure of its creation.

C. ENTRIES - Conditions of entry: 

1. Original works and digital artworks will be accepted. Digital artwork is to be numbered in pencil on the front and pencil signed. In addition to the original works, works in electronic form, A4 size, 300 dpi, jpeg are also acceptable. 

2. Entries can be either black and white or coloured.

3. There should be the name, the surname and the adress on the reverse side of cartoons.

4. The cartoons must not have been previously awarded on festivals.

5. Maximum 3 entries will be submitted.

6. Size of entries is A4 or A3 format. 

D. DEADLINE  - Entry deadline is the 20th of May 2021.

E. ADDRESS - Send your cartoons to:  CROATIAN CARTOONIST ASSOCIATION  (HRVATSKO DRUŠTVO KARIKATURISTA), SAVSKA CESTA 100, 10000 ZAGREB, CROATIA

Or E-mail: hrvdrukar@gmail.com (Format: JPEG; Size: A4; Resolution: 200 dpi-300 dpi). Maximum 3MB for a digital work.  Name of digital work: name.surname.country.number (if the autor is submitting more than one work)

F. PRIZES AND AWARDS - First Prize - 1.000 EUR, Second Prize - 500 EUR, Third Prize - 300 EUR ,m Five Special mentions

G. EXHIBITION - The exhibition will take place in Gallery Klovićevi dvori in Zagreb.

H. OTHER CONDITIONS  - Authors of works that qualify to the exhibition are given a presentation copy of the exhibition cataloque. Only on explicit request will remaining (original) works be returned to the owners.

The organizer reserves the right to reproduce the works sent to the festival, Zagreb 2021, as the advertising material without being obliged to pay a fee to an author whose work may be used.

The prize-winning works become property of the organizer.

ENTRY FORM  Click the above link to download the entry form.

// posted by humorgrafe @ 5:46 PM 0 comments

No princípio era a verruga, só depois viria o verbo. Pelo verbo, pode o ponto evoluir em traço, confrontando a realidade, como que na busca da alma de todos nós.

Das trevas saem todos os pesadelos políticos e só a magia do humor exorciza o verbo, dá poder à linha que segue as sombras das figuras, ora alongando, ora espartilhando, vincando nas linhas humanas o próprio riso.

A realidade actual anda pouco propícia ao riso, mas só pelo humor se consegue viver a vida com optimismo, esperança e sentido crítico. O sentido crítico é uma das características intrínsecas do ser humano, assim como o riso e o humor. Também só o homem é capaz de realizar a caricatura, a sátira gráfica… Mas, nem todos os homens são portadores desse síndroma criativo («o artista é como o diabético, tem humor, mas não sabe como o apanhou»). Se encontramos pintores, escultores, arquitectos… em profusão a sair da escola, nem sempre se descobre um bom humorista, com poder critico, com qualidade estética, com imaginação/criatividade lúdica para conceber o jogo alegórico da crítica.

O momento actual, em Portugal, é de riqueza humorística e caricatural, em variedade estilística e gráfica, em manifestações públicas, salões, publicações… Pedro Palma, neste mês é o artista em destaquem devido às manifestações  públicas que materializa – Uma exposição e um álbum.

João Pedro Palma (Serpa / 1959), veio para Lisboa estudar design gráfico, mas logo caiu nas malhas que a caricatura tece, iniciando-se no «Tempo» a sua profissionalização, em 1979. Em 1983 para para o «Diário de Notícias», colaborando também no «Bisnau». Em 84 vai até Paris, onde colabora no «Le Figaro Magazine» e «Jeune Afrique» (também assistente da direcção artística desta revista). De regresso a Portugal colabora no «DN», «Grande Reportagem» (responsável gráfico da revista), «Expresso», «Europeu», «Diário de Lisboa», «Primeiro de Janeiro» e «Exame».

Será o primeiro caricaturista português a ser distribuído por uma agência noticiosa nacional (Lusa), em 1988 lança para o mercado internacional a colecção «Faces of the World» e em 1990 assina contrato com a «Cartoonists & Writers Syndicate» de New York.

Participante em diversos Festivais Internacionais, em 1989 foi galardoado pelo Salão Nacional de Caricatura (Porto de Mós) com o Grande Prémio do Salão Livre.

Apesar de em 1986 ter dito aos jornalistas «não me falem em fazer uma exposição individual. Morro de medo só de pensar nisso», nunca se deve dizer deste humor nunca rirei, pois aí está ele com uma exposição no Hotel Meridien (Lisboa de 18/2 a 4/3, Porto de 24/3 a 6/4) a comemorar quase doze anos de trabalho.

Não é uma exposição antológica, porque tem o péssimo hábito de rasgar os otiginais («uma vez, num dia só, rasguei oitenta originais. Dos quase cinco mil que desenhei, devo ter para aío uns quinhentos. Só guardo aqueles de que gosto mesmo») mas uma galeria das figuras mais importantes da actualidade nacional e internacional, uma visita aos acontecimentos que chamaram a atenção do cartoonista. Em lugar de destaque, e com direito a edição de serigrafia (já que nunca vende os seus trabalhos), será a caricatura do Dr. Mário Soares, a figura nacional mais conhecida no país e estrangeiro. Com edição de um álbum, Pedro Palma mostra o máximo da sua arte.

OMS – Apesar daquele medo na realização de uma exposição e edição de um álbum, como aconteceu esta viragem?

Pedro Palma – «Isto começou por uma brincadeira, numa entrevista na televisão. As pessoas que me rodearam, interessaram-se de tal maneira do projecto, que exigiram que no final destes quase doze anos de trabalho mostrasse as coisas que tenho, e que não são muitas… e desde o princípio que tudo correu bem. Surgiu a ideia de publicar a serigrafia do Dr. Mário Soares, este mostrou interesse em inaugurar; o Banco Comercial Português, a «Exame» e o «Expresso» prontamente patrocinaram o evento… Desculpando-me pela imodéstia, nunca o cartoon teve uma realização com esta envergadura e prestigio, portanto não podia recusar».

OMS – Como surgiu a ideia da serigrafia do Dr. Mário Soares?

Pedro Palma - «Porque é a minha obra com maior componente artística. Uma caricatura normal dá vontade de rir e se fizesse uma serigarfia de qualquer outra caricatura já não funcionava com o mesmo impacto, era mais aquilo que normalmente costumam chamar o “boneco”. Esta tem o olhar mais directo, expressivo… Assim surgiu o Dr. Mário Soares quase como o ex-libris desta exposição e daí o convite para ser ele a inaugurar. Por causa das eleições, tivemos que adiar um pouco a exposição, para que não confundissem esta mostra com campanhas políticas, ou oportunismo da minha parte. Mesmo que não tivesse sido reeleito para Presidente da República, o Dr. Mário Soares era a figura que iria inaugurar a exposição».

OMS – Esta caricatura contradiz um pouco a tua linha geral de híper-realismo, optando pela síntese.

Pedro Palma – «Não te esqueças que é um trabalho de 1985, de uma fase experimental, quando conjugava a pintura, o cartoon… tinha gozo e necessidade de procurar técnicas, estilos. Hoje, não só não tenho tempo, como já optei por um estilo mais definido».

OMS – Foi essa indefinição que te fez recusar os trabalhos dessa fase e destrui-los, como que envergonhado?

Pedro Palma - «Não tenho vergonha de nenhum dos meus desenhos, sou pai deles, só que não me identifico com muitos deles, o que é diferente. Desenhos do passado, já não tem nada a ver comigo, e isso é bom porque quer dizer que evolui e estou sempre em evolução.

Até cerca de 1985 já não tenho nada, rasguei. À medida que se vai evoluindo o que fica para trás não me satisfaz já. Cada artista só tem uma obra-prima e a próxima anula a primeira. A minha, neste momento é a do Dr. Mário Soares no âmbito da caricatura, enquanto no cartoon creio que ainda não o consegui. Eu sinto a evolução constante e isso leva-me a fazer sempre melhor.

Destrui aquilo que considero os «bonecos», aqueles que não servem para mais nada, para além de serem publicados naquele momento. Os trabalhos que valem mais do que isso, os originais que vivem para além da impressão, guardo-os. Quantas vezes, publico desenhos que não assino, pois o desenho não tem a dignidade de ser assinado, mas são uma obrigação profissional com o jornal».

OMS – O caricaturista, ou cartoonista que componentes necessita ter para o seu trabalho?

Pedro Palma – «Tem que ser um artista plástico, tem que forçosamente ser jornalista, escrever, dominar as técnicas das artes gráficas. Eu mudo de técnicas por vezes por causa disso. Se uma impressão altera aquilo que faço, a seguir, com receio que volte a acontecer, mudio de técnica. Por exemplo, agora no meu trabalho nota-se maior diversidade nas técnicas da cor, porque procuro, segundo as impressões, a técnica que resulta melhor… só que tudo isso também depende de quem imprime, porque tanto pode valorizar, como destruir uma obra».

OMS – Por vezes não te acusam de ter um estilo mais parecido com este ou aquele artista estrangeiro?

Pedro Palma – «Sempre admirei o David Levine, mas nunca o tentei imitar. Há desenhos meus que podem ter alguma semelhança, mas as concepções são diferentes, ele tem um traço mais incerto, quanto eu sou mais “limpo” no traço. A maior parte das semelhanças entre cartoonistas é devida à técnica que se utiliza, a pena de pato, caneta de tinta da china, pincel… tudo isto dá Aspectos diferentes aos trabalhos, e a técnica que eu uso, por exemplo, é a mesma do Luri, que é o “radiograph”, a caneta de desenho técnico que dá um risco muito certinho. Assim todos os que uso o “radiograph” têm uma semelhança técnica, o que não quer dizer de estilo».

OMS – Sabendo quão barato são os desenhos que os americanos vendem, por vezes ao preço do selo de envio, como encaras a sobrevivência do artista português nesta concorrência desleal?

Pedro Palma – Os jornais portugueses, felizmente que chegaram à conclusão que um jornal para ter prestigio precisa de ter pelo menos um cartoonista próprio. Pode publicar uma coisa ou outra vinda do exterior, como complemento, mas ter um cartoonista dá-lhe prestigio, tanto mais que os cartoons importados têm sempre uma décalage com o que se passa no momento, são um tanto atemporais, já foram vistos e publicados em dezenas de outros jornais. Assim, os grandes têm um ou mais cartoonistas (o Sydney Morning Herold tem vinte e cinco), com opinião própria, em cima do acontecimento. Quem tem, fica em vantagem sobre o outro que não o tenha».

Pedro Palma, uma exposição que se esperava á algum tempo, assim como a oportunidade de adquiri uma obra sua, mais não seja uma serigrafia. Uma exposição a ver e rever.

// posted by humorgrafe @ 5:43 PM 0 comments

Objectividade e subjectividade, a luta diáfana do historiador, a opção estética do artista. A História são factos, datas, mas também pode ser interpretação desses factos; pode ser a recriação desses momentos passados. Quantas vezes a história é mais importante na sua mitificação, na sua efabulação do que na sua realidade crua.

Lugar mítico da nossa história, é o Chiado, a Brasileira, o Martinho, a Bertrand, a Leitaria Garreth… e à sua volta a história desenvolveu-se num anedotário fabuloso e efabulado de tertúlias culturais, modas, vivências. Ali se conversaram projectos importantes, nasceram inspirações, se conspiraram obras que nunca chegaram a existir.

Lugar mítico da nossa história, é a década de dez, com as suas deambulações modernistas e futuristas: são as décadas de vinte / trinta com a segunda geração modernista. Com a luta pela política do «bom gosto».

Se a realidade era uma «difícil» sobrevivência de artistas (não é sempre?), a inglória luta por uma vanguarda que não conseguia impor no gosto nacional as estéticas do novo século; a história mítica é a realização de obras-primas das nossas artes plásticas, é a concretização (a possível) de uma revolução do gosto.

A opção estética do artista pode encarar a fixação nua da imagem, ou da sua interpretação. Pode ser a inspiração em conceitos filosóficos objectivos, ou a subjectividade feita estética. Pode ser a subjectividade filosófica ou a subjectividade plástica numa comunicação concreta e dirigida. O artista gráfico é um pouco disto tudo, ou seja, a união da objectividade com a subjectividade, a imagem real com a interpretação, e estética filosófica e os compromissos concretos de comunicação.

Dentro das artes gráficas, a publicidade é a arte que mais corta as liberdades subjectivas e até à década de vinte não havia criativos publicitários, mas um ou outro artista que realizava esporadicamente trabalhos neste campo, para sobreviver. Como fórmula sistemática de trabalho, de estratégia de comunicação conceptual segundo o produto / público-alvo, só se vai realizar verdadeiramente após a chegada a Portugal de um jovem mestre suíço.

Poderá talvez ser um exagero, e uma injustiça para os artistas que até este momento fizeram publicidade, poderá ser uma mitificação?

Fred Kradolfer (segundo apontamentos biográficos dados pelo artista ao Arquitecto Jorge Segurado em 1967), nasceu a 12 de Julho de 1903 em Zurique, filho de Henri Kradolfer e Helene Bietenholz. Após os estudos primários e secundários, fez o curso da Escola de artes Aplicadas de Zurique (ourivesaria e cinzelagem). Em Berlim faria o curso de Artes Gráficas na Escola de Belas Artes, e frequentaria a Academia de Munique.

Em 1922 está em Paris a decorar montras («Inovation»), passando posteriormente por Roterdão , em 1923 está em Bruxelas como pintor de automóveis (da Ford). Aqui conhecer o fotógrafo português Serra Ribeiro Pai, para o qual trabalhava à noite, como retocador.

Agora, as histórias variam. Instigado por este fotógrafo, influenciado por um amigo português que conheceu em Paris… o que se sabe é que em 1924 as suas deambulações pela Europa trazem-no a Portugal.

O que é que o atraiu neste país distante dos centros de irradiação artística, sem perpectivas para quem quisesse «conquistar» o futuro? O jovem que aos 16 anos sai de casa à procura de novos caminhos para a sua arte, em vez de prosseguir em busca de mestres, vem com apenas 21 anos, instalar-se como mestre dos mestres deste pequeno país: «Esse estrangeiro, mais novo que Bernardo Marques, quatro anos – escreve Selles Paes em 1966, in “Renovação” – mas sem mestre foi, em verdade, não só o grande renovador mas o grande professor de quantos, nas decorações e nas artes gráficas, andavam aqui a querer gatinhar»,

Como convém em Portugal, a chegada nevoeirenta de um mestre está envolta de um certo misticismo boémio. Ele próprio dizia que tinha imigrado para Portugal antes de nascer, porque o primeiro a imigrar para Portugal tinha sido o seu avô, muito antes dele nascer. Depois, há a tal história de vir a pé desde a fronteira.

Carlos Botelho narra-nos essa vicissitude, em 1968 (in «PubliClube»): «lembro-me dele. Um dia, me segredar que tivera a ideia de emigrar e de ir caçar leões para o Oriente, como bom descendente, que era, de Guilherme Tell. Afinal trocou o Oriente pelo Ocidente /…/ assim, decidiu-se a vir por aí abaixo, mas pensando que Lisboa ficava a dois passos da fronteira de Espanha, tirou só bilhete para Vilar Formoso e o resto do caminho fê-lo a pé. /…/ Depois veio todo o caminho (como o dinheiro não era muito), a comer uvas com pão e a dormir onde calhava. Mas chegou!»

Em Lisboa era fácil encontrar o meio artístico, bastava aproximar-se do Chiado, e aí conheceu de imediato Bernardo Marques e José Miguéis (escritor). A seguir foi apresentado aos arquitectos Jorge Segurado e Carlos Ramos, os quais o ajudaram, dando-lhe trabalho no atelier (criou uma técnica de gauchar os trabalhos de perspectiva).

Esta não era porém a sua verdadeira profissão (ou o que ele mais gostava de fazer), e o primeiro trabalho gráfico foi para a Casa Domingos Lavadinho (caixas para envelopes com um cravo, que é ainda hoje a mascote da casa), seguindo-se a Bertrand Irmãos, a Companhia da Costa do Sol (a primeira publicidade internacional da Costa do Sol, é dele)…

Em 1927 fica estabelecida definitivamente a sua radicação em Portugal, ao conseguir um contrato de trabalho no Instituto Pasteur de Lisboa, onde, como refere Tom - Thomás de Mello, Fred realizou obras «dignas de uma antologia, mas o desleixo que os fez desaparecer torna impossível essa divulgação – felizes daqueles que tiveram o prazer de os ver».

Fred Kradolfer chegou e não teve dificuldade em encontrar trabalho, porque como refere o mesmo Tom (na altura também recém imigrado do Brasil), «existia uma grande necessidade de produção, por isso havia trabalho para todos nos anos 20/30/40. A falta de dinheiro de certos artistas era snobismo de genialidade».

Se havia trabalho (nas ditas artes menores), não havia organização, nem directrizes estéticas, visto o que dominava era o academismo bolorento dos Dantas desta terra, ou o conhecimento de uma certa vanguarda através de breves visitas ao estrangeiro, através das más reproduções absorvidas nas revistas estrangeiras. Não havia uma cultura (educacional) suficiente para compreender (teoricamente e experimentalmente) as novas estéticas, apenas uma intuição, um sentir os novos ventos do século.

Este sentir registou-se nas ilustrações das capas de revistas da moda, nas decorações dos Clubes, cafés (e posteriormente das montras de lojas) onde reinavam o Bernardo Marques, o José Pacheco, o Jorge Barradas… que navegavam num modernismo cezaniano ou expressionista. Esse sentir, viria a reflectir-se na publicidade.

Fred Kradolfer, apesar de ainda jovem e sem grande experiencia profissional, trazia uma formação académica forte, enriquecida por várias fontes de ensino, que lhe dava o domínio total das técnicas gráficas e a perspectiva estética adequada a cada ocasião, prevalecendo o purismo formal bauhausiano, de rigor geométrico. Ele traria a consciência de síntese na comunicação gráfica, deixando de valorizar o anedótico, a saturação de informação, como acontecia até então. A publicidade deixa de ser um «relatório», para se transformar num diálogo imediato e estético.

Assim, a sua acção, aliada à criatividade do atelier «Arta» (a primeira agência de publicidade gráfica do país), vai transformar as artes gráficas, vai fomentar as artes da publicidade, vai criar uma «escola moderna de Artes Gráficas», influenciando artistas consagrados, instruindo jovens artistas.

No campo da publicidade ficaram como marcos da arte portuguesa, não só os cartazes, como rótulos, «Stands» comerciais, ou maquetes de projectos publicitários que, infelizmente se perderam, ficando apenas a admiração dos seus confrades pelas qualidades técnicas excepcionais, pelo gosto estético na resolução dos problemas levantados pela mensagem comercial a transmitir. «Era um artista espantoso – afirmou-me Jorge Segurado – com uma mão e uma cabeça extraordinária, um criador, uma facilidade de pôr as coisas em equação e resolvê-los».

Mas o seu trabalho não se limitou à publicidade, aliando-se à política desenvolvida por António Ferro (uma estética modernista, no meio de políticos anti-estetas ou conservadores), da «política de espírito», das campanhas do «bom gosto», das promoções turísticas, das potencialidades nacionais.

Este trabalho (vanguardista numa sociedade conservadora e retrograda) foi desenvolvido pelo grupo criado por António Ferro, institucionalizado depois de responder aos trabalhos internacionais requisitados pelo regime. Thomás de Mello descreve-nos esta constituição do grupo. «Ferro nunca protegeu directamente o Fred. Ele adorava o Bernardo Marques e após a vergonha da Exposição Colonial de Paris (1931), chamou-o para a criação de uma equipe. Bernardo era primo de José Rocha e chamou-o, este trouxe-me para o grupo. Eu e o Bernardo adorávamos e necessitávamos do Fred, chamámo-lo. O Emmérico Nunes foi imposto e o Carlos Botelho entrou por amizade. Assim se formou o grupo que teve relevo especial nas Exposições Internacionais de Paris (1937), de Nova Iorque (1939) e de São Francisco (1938). As melhores obras do Fred são as do “Mundo Português” (1940)».

Esta década de trinta foi o auge da sua carreira em Portugal, não por uma maior qualidade estética, que manteve sempre no seu trabalho gráfico, mas pela quantidade de encomendas. Após este hiato de prosperidade e ousadia estética, a «política de espírito» caiu em desgraça, assim como o seu fomentador, António Ferro, desvanecendo-se o apoio estatal aos artistas. A cultura vanguardista, como consequência, foi-se esvaindo, levantando graves problemas de sobrevivência aqueles.

Fred, para além das crescentes dificuldades de trabalho, suportou outras contrariedades conjugais, já que os seus dois casamentos se afundaram em alcoolismo. Como consequência, foi-se também degradando a qualidade das suas obras.

O que ficou destas décadas de trabalho, foram magníficas ilustrações e capas de livros para editoras como Portugália, Ática, Guimarães… sendo também neste campo, o mestre assumido, de uma série de artistas nacionais.

Para sobreviver fez cartões de tapeçarias, fez guaches, foi pintor de retratos e paisagens. Apesar de um trabalho vigoroso e personalizado, de um domínio da paleta com gosto e simplicidade, estes trabalhos nunca atingiram a genialidade da sua obra gráfica.

Fred Kradolfer foi um inovador, um mestre da modernidade das nossas artes gráficas, hoje um tanto ao quanto esquecido e morreu apenas há pouco mais de vinte anos. Fred Kradolfer morreu em Lisboa, a 16 de Junho de 1968.

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CONCURSO DE ILUSTRAÇÃO O RAMO PRAHOVA DA UNIÃO DOS JORNALISTAS PROFISSIONAIS DA ROMÊNIA organiza um CONCURSO DE ILUSTRAÇÃO.

1. O tema "O poeta Mihai Eminescu, o LUCIFER da poesia romena".

2. Tema secundário: Retrato de ION LUCA CARAGIALE

3. As dimensões das obras e a técnica de realização ficam ao critério dos artistas.

4. O prazo para recebimento das obras é 15 de abril de 2021.

Os participantes enviarão aos organizadores uma ou mais ilustrações inspiradas no poema LUCIFER e no rosto do poeta. Vários prêmios serão concedidos.

Outras informações podem ser obtidas no e-mail ionita_ploiesti@yahoo.ro

O poema LUCIFER pode ser encontrado, traduzido em vários idiomas, no endereço… https://www.facebook.com/Mihai-Eminescu-Lucifer-101606345350039

Você pode descobrir mais sobre Mihai Eminescu em ... https://en.wikipedia.org/wiki/Mihai_Eminescu

ILLUSTRATION CONTEST

THE PRAHOVA BRANCH OF THE UNION OF PROFESSIONAL JOURNALISTS FROM ROMANIA organizes on the occasion of the International Festival "Freedom and Journalism" 2021, an ILLUSTRATION CONTEST.

1. The theme "The poet Mihai Eminescu, the LUCIFER of Romanian poetry".

2. Secondary theme: Portrait of ION LUCA CARAGIALE

3. The dimensions of the works and the technique of realization are at the choice of the artists.

4. The deadline for receiving the works is April 15, 2021.

Participants will send to the organizers one or more illustrations inspired by the poem LUCIFER and the poet's face.

Numerous prizes will be awarded.

Other information can be obtained at the e-mail address ionita_ploiesti@yahoo.ro

The poem LUCIFER can be found, translated into various languages, address…

https://www.facebook.com/Mihai-Eminescu-Lucifer-101606345350039

You can find out more about Mihai Eminescu at ... https://en.wikipedia.org/wiki/Mihai_Eminescu

From 'neath the castle's dark retreat,
Her silent way she wended,
Each evening to the window seat
Where Lucifer attended.

And secretly, with never fail,
She watched his gracious pace,
Where vessels drew their pathless trail
Across the ocean's face.

"You are as handsome as in sleep
Can but a d[a]emon be;
Yet never shall I take and keep
The path you show to me."

Yet he no more, as yesterday,
Falls down into the sea;
"What dost thou care, o shape of clay,
If it is I or he?

You live accompanied by weal
In your all-narrow fold,
Whilst in my boundless world I feel
Both deathless and dead cold."

// posted by humorgrafe @ 11:12 AM 0 comments

Deadline : May 31, 2021

I.  THE ORGANIZER - The Competition is organized by the Cyprian Norwid Regional and City Public Library in Zielona Góra.

II. PARTICIPATION

1. Both professional and amateur cartoonists are eligible to enter the contest.Unlimited number of personally made original works (format min. A5 - max. A3) in an optional technique with an application card, should be sent or delivered by May 31st 2021 to the following address:

Wojewódzka i Miejska Biblioteka Publiczna im. Cypriana Norwida 

al. Wojska Polskiego 9

65-077 Zielona Góra

skr. pocztowa: 170

POLAND

2. Only non-awarded works may take part in the competition.

3. Each work should be signed by the author.

4. By participating in the competition, each participant agrees to a free donation of  works submitted to the competition to the Organizer.

5. participants agree to publication of their work free of charge.

6. By personal participation in the post-competition exhibition, the participant agree to the processing of their images captured by photography and for sharing the images to promote Organizer's cultural events.

7. The condition for paying out the prizes to the winners is their personal participation in the post-competition exhibitionor indication of the bank and account number to which the prize is to be transferred.Participation in the competition as well as works and obligations related to it, includingany prize claims, cannot be transferred to third parties.

8. The cost of sending the work is covered by the participant.

III. TIME TABLE

1. Announcement and publication of the contest - March 2021

2. Deadline for receiving works - May 31, 2021

3. Jury Sitting - June 2021

4. Announcement of the Jury decision and the opening of the post contest exhibition - September 2021

IV. THE JURY

1. The Jury comprises of the Organizer's representatives  as well as artist dealing with art in practice or as theoreticians.

2. The Organizer has the right to change the amount of particular prizes, nonetheless, the total amount of prizes remain unchanged.

V. PRIZES - GRAND PRIX - PLN 5,000 + Statuette

// posted by humorgrafe @ 2:19 PM 0 comments

 Nas artes plásticas portuguesas da primeira metade do nosso século há sempre um tom caricatural, mais não seja como pontuação da luta pela sobre vivencia na carreira difícil e irreverente dos artistas. É o caso de Don Thomáz de Mello que também tem (ou é) um TOM de humor, entre a policromia da sua obra.

Numa das biografias publicadas, em revista, alguém escreveu: «Descendente de uma nobre e antiga família portuguesa, nasceu no Rio de Janeiro / Brasil a 11 de Outubro de 1906. /…/ Aos 12 anos entrou como ajudante de J. Barros no Teatro Lírico do Rio de Janeiro, na qualidade de decorador teatral. Realizou cenários para a Companhia Maria Lino e depois para a Companhia de Comédia Leopoldo Frois com êxito notável. Estreou-se como actor nessa companhia, criando vários papéis típicos em toda o Brasil e América Latina. Aos 20 anos embarcou para a Europa, chegando a Lisboa em Dezembro de 1926. A sua primeira exposição, de caricaturas e personagens sintéticas, deu-lhe imediatamente lugar de relevo entre os caricaturistas. Trabalhou desde então, em vários jornais e revistas, nacionais e estrangeiras, deixando a caricatura para se dedicar á publicidade, contribuindo para a renovação do gosto…»

Diz pois a história que, num dia de brumas invernis desembarcou no Cais de Alcântara um jovem «imberbe» e aventureiro à conquista das suas raízes, à descoberta de novos mundos. Era o mesmo espirito que já havia levado este jovem brasileiro a embrenhar-se na Amazónia, porém a vida «civilizada» não é para graças e ele perdeu-se dos palcos, para viver dramaticamente o riso dos outros.

Chegou como actor, mas de imediato foi invadido por uma sensação de grotesco que o fez enveredar pela retratação humorística da sociedade portuguesa. Foi o povo português que lhe abriu as suas potencialidades caricaturais, visto antes nunca ter sido inspirado para essa arte, nunca ter exercido essa linguagem. Fê-lo com mestria, na companhia de um outro brasileiro, «uma das visitas da Casa do Brasil, o caricaturista Rubens Trinas (Fox) que quer seguir para Paris e não tem meio para o fazer. Convence-me a realizar com ele uma exposição de caricaturas e eis-me lançado numa estrada, com muitos atalhos…»

O seu traço surgiu como uma novidade, numa década em que o modernismo se abarrocava em decorativismo «cosmopolita». Habituado a cenografias para teatros itinerantes, tinha o poder da síntese dos elementos fundamentais para sugerir a realidade e foram esses conhecimentos caligráficos que ele transpôs para o desenho de humor e caricatura numa síntese abstracionista mas incisiva.

TOM (o seu nome artístico) trouxe aos anos vinte, a caricatura síntese, porém a sua inovação foi mais uma recuperação da via modernista que a descoberta de um novo estilo caricatural para os portugueses. Em Portugal poderemos encontrar as raízes deste traço em Celso Herminio, Leal da Câmara, levado à estrutura mais simples por Fernando Correia Dias, Christiano Cruz, Cerveira Pinto e Luís Filipe no advento do modernismo, em 1909/10.

Só que Thomaz de Mello não pôde seguir esta influência, visto no Brasil desconhecer a obra daqueles artistas. Quais as influencias que ele teve no Brasil? Correia Dias, em 1914 tinha emigrado para o Brasil, impondo aí um estilo ligado a uma pesquisa do folclorismo índio. Tom desconhecia essa obra. Recorda sim, ter influência dos humoristas argentinos que ilustram a sua meninice. A Argentina desenvolvia esse traço síntese, por via espanhola, sobre a qual Leal da Câmara exercera influência.

Tom apresenta-se pois como uma novidade, vindo a cativar para esse traço uma geração, hoje conhecida como a geração «Sempre Fixe», a segunda geração modernista dos anos 30/40. Poucos reconheceram, mas haveria um, que ficaria na historia como o grande mestre da caricatura síntese abstracionista portuguesa – Teixeira Cabral, que sempre se apresentou como seu discípulo directo.

Observando os trabalhos publicados nesses anos vinte/trinta, denota-se a primazia da linha, como um grafitti que delineia os personagens, as ideias… nalguns, ele utiliza a técnica da linha única, sem fim, misturando-se as personagens com a linha da esquadria, com os objectos numa deambulação realista na imagem, abstracta na estrutura. Um estilo que, nos anos 70, Osvaldo cavandoli apresentou ao mundo, como o lemento mais característico da sua originalidade, em desenho animado.

Thomáz de Mello é um artista prolífero, que explora todas as potencialidades do seu grafismo, desde a caricatura-retrato espontâneo, na cobertura jornalística de eventos como o caso Alves dos Reis no tribunal, até à caricatura-síntese feita em «laboratório» do Dr. Washington Luiz, do Durval Porto, do Novais Teixeira…; a ilustração esquemática no «Sempre Fixe» e «Ilustração», ao barroquismo-síntese de outras ilustrações na «Ilustração», «Magazine Bertrand»… em que a inspiração grega das figuras, ou do fundo negro com as personagens recortadas a branco, alterna com um gosto mais medieval de iluminuras… seja no contraste de figuras esvaziadas de «carbe» na sai bidimensionalidade de boneco gráfico, à exuberância dos físicos delineados no deleita da anatomia herculeana… aliando sempre cada desenho-ilustração ao fim a que se destina, ao «parceiro» que ilustra. Tom tem uma técnica, um estilo para cada tipo de história, de intervenção. Isso pode-se verificar tanto no desenho de humor, como na ilustração na Banda Desenhada…

Ele foi uma revovação gráfica e o desenvolvimento de uma política cultural que já germinava em algumas mentes e que viria a concretizar-se como a «política de espírito», que era a educação do gosto, o levar a estética para todas as formas de comunicação, num misto de vanguardismo e total acessibilidade às potencialidades do gosto popular. Foi esta política, esta arte que o afastaria da caricatura e ilustração, para o ocupar com outras criatividades.

// posted by humorgrafe @ 2:17 PM 0 comments